Bien, he tomado la decisión de cambiar mi blog a WordPress, menciono una de las razones en la entrada adjunta.
Koalbiter's Journal
Ya algo tarde, pero el pasado 19 de septiembre se cumplió el vigésimo cuarto aniversario luctuoso de Rockdrigo Gonzalez, un rockero con un carisma especial y letras interesantes. Encontré un fragmento interesante de un escrito de José Agustín que aquí comparto.
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Fragmento extraído del libro: "Contra la corriente" de José Agustín.
México: Diana, 1991
En una ratonera enanísima, junto a la glorieta del Metro Insurgentes y de nombre Wendy's Pub (ni modo), Rodrigo González canta todas o casi todas las noches. Los viejos rockeros El Borrado y El Cartucho me dijeron que la onda de este maestro estaba buenísima, incluso me cantaron cachos de sus canciones, así es que fui a verlos tan pronto como pude, porque es rarísimo que un rocanrolero se exprese tan entusiastamente de otro.
Rodrigo González tiene treinta y dos años, se inició en la música y en las ondas de la onda en Tampico, donde nació, pero también la ha rolado por varias partes de la república; en la capital ha huaracheado el pavimento con su guitarra a cuestas; y después trabajó en el teatro, musicalizando obras.
Es un cantante y compositor nato. A los primeros versos de su rola sobre la estación Balderas del metro, yo, como todos los asistentes nos hallábamos francamente cautivados. Rodrigo compone sus propias canciones (aunque a veces se echa dos tres del Three Souls in My Mind) y ha logrado lo que para mí es un portento: hacer que el español suene perfecto, de veras natural, en el rocanrol.
El Tri ya andaba muy cerca, de hecho lo había logrado muy bien en varias rolas, pero con las letras de Rodrigo (inteligentes, maliciosas, provocativas, poéticas) se puede afirmar que el español-mexicano es perfectamente idóneo para el rock. Quienquiera que haya presenciado los esfuerzos para que se lograra, ya que es esencial para el desarrollo de un verdadero rock mexicano, tendrá una idea de lo que significa.
En un principio se me ocurrió pensar que Rodrigo González era nuestra versión de Bob Dylan con sentido del humor. Rodrigo se enfrenta al público sólo con su lira y su armónica. Canta con seguridad, con una buena voz que lo mismo pasa por sonoridades más o menos ortodoxas como después se agandalla o se deja ir en el sentimiento, en lo puro rocanrol. Con su voz, presencia, lira y armónica, Rodrigo González arma un show notable, en el que abundan las sonrisas, las complicidades, el buen ritmo y el gustito de compartir a la perfección las andanzas y muchas de las aventuras urbano-realista-metafísicas de este maestro que maneja los matices notablemente bien.
En estos días se ha hecho (relativamente) popular su rola sobre "el ET", que para Rodrigo claro, es el Ete: "No es el pájaro uyuyuy, pero llegó del cielo, es el Ete, que a donde quiera se mete, que a las mujeres somete; cierren puertas y ventanas, escondan a sus hermanas, ahí viene el Ete!" El ritmo es de lo más sabroso y eficaz, como el ingenio de la letra. En la misma línea alburero-provocativa se halla esta canción: "No sé por qué no me las prestas, si te hago regalos y te llevo a fiestas, te llevo a comer al mejor restorán, te llevo en mi carro hasta Atizapán, oh yo no sé por que no me las sueltas, si te aviento rollos y te doy mil vueltas, hasta cuaderno soy de tus papas, le doy pa su chela a tu hermano el rapaz, no sé por qué no me las prestas, no sé por qué no me las das."
Hay que oír estas letras ya como parte del show del carismático Rodrigo González, quien tiene muchas tablas y ejerce el control desde el primer momento. Sin embargo, no le interesa cultivar la imagen del cantor pícaro, el Chava Reyes del rock. También acaba de ganar un cuarto lugar en un concurso reciente con "Ratas", que andan entre los comerciantes, "sacándome la cartera, arriba y abajo, en el metro, ratas por donde quiera".
En ocasiones prescinde casi de la rima y se pone más intelectual: "Cabalgo sobre sueños innecesarios y rotos, prisionero iluso de esta selva cotidiana, y como la hoja seca que vaga en el viento, vuelo imaginario sobre historias de concreto." O, si no, se revienta sentidas rolas en las que chavos matan a sus mamás porque no les dan para el pisto. Con saludos, claro, a Parménides García Saldaña.
Erosionados lectores, tendrán que soportar la siguiente y patriótica advertencia: Abusados! La Aparición de Rodrigo González es muy significativa, y por eso no titubeo en desencadenar mis optimismos más molestos: si ya hay en México quien domina el rock y sus diversos niveles, y que a la vez expresa sin dificultades el ingenio y la mejor cultura popular mexicana, como Cri Cri o José Alfredo Jiménez, puede afirmarse que nos hallamos en el umbral de un buen momento del rock mexicano. Ya nos lo merecemos, por otra parte. El que el rock finalmente sea expresión natural de las necesidades y proposiciones de muchos chavos, no por fuerza de clase media, implica, tachún tachún!, avances notables a veces en la sui generis, incontrolada, bendita y maldita revolución cultural que hemos estado viviendo desde 1968. Con Rodrigo González tenemos ya, de entrada, un rock más complejo, crítico, inteligente y muy mexicano. 1983
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Es una mirada a los 70’s y 80’s, y la cultura del rock, con ecos del 68. En lo general he escuchado poco a Rockdrigo, pero hay varias canciones que me gustan como “Perro en el periférico” que por cierto hizo un muy buen cover La Barranca. También ya tuve ocasión de leer el libro de cuentos cortos de Parmenides Garcia “El Rey Criollo”, me pareció muy interesante como retrata la época, sobre todo con la juventud.
En 1947 se creó una lista negra de los trabajadores del gremio cinematográfico en EU, esto ya sea que militaban, apoyaban ó se sospechaba que tenían actividad relacionada al partido comunista americano en pleno Macarthismo. Esta lista comenzó con diez cineastas, entre los que se encontraba Herbert Biberman, autor de un film llamado “La Sal de la Tierra” del que escribiré más adelante. Avanzado el juicio contra los cineastas, la lista fue incrementándose, perdiendo el trabajo mucha gente en el ambiente, donde aparecían guionistas, directores, actores, etc. Gente de la talla de John Houston, Humprey Bogart, James Cagney y Walt Disney figuraron en la lista después de que un comité creado para investigar actividades “anti-americanas” (House Committee on Un-American Activities) formo una iniciativa “Reds in movies”.
De la lista final quedaron 10 que decidieron no responder ni declarar a esta agencia, la pregunta más común era “¿Eres o fuiste miembro del partido comunista?, cosa que lleno de furor a estos cineastas que apelaban a la libertad de expresión y el hecho de que ser del partido comunista no era ningún delito. Al no declarar, el caso se llevo a la cámara de representantes del congreso de los EU. Se declaro que estos 10 de quedarían inmediatamente sin trabajo sin goce de sueldo y sin posibilidad de trabajar hasta que se compruebe que no eran comunistas. Después fueron condenados a 1 año de cárcel y solo uno cedió, Edward Dmytryk, declaró que fue comunista y reveló varios datos de otros de la lista, lo que le garantizó una salida rápida de la cárcel y el restablecimiento de su carrera.
En 1950 salio el documental “The Hollywood Ten” y en el 2001 una película dramatizada sobre el asunto, en español el titulo fue “Punto de Mira” (el titulo en ingles es “One of the Hollywood Ten”), en ella se cuenta la vida en esa época de Herbert Biberman, aun sigo buscando esta película sin éxito.
“La Sal de la Tierra” (1954) fue un film muy de su época, evocaba todo el sentido de libertad del trabajador minero, con el gran trasfondo de huelgas mineras en México desde principios del siglo pasado y que forjaron lo que sería la revolución mexicana; Herbert J. Biberman escribe y dirige una película sobre un grupo de mineros mexicanos en Zinctown, Nuevo México, donde una mujer embarazada de su tercer hijo se pregunta si su hijo debe nacer o no, debido a la vida tan miserable que llevan. Los mineros son víctimas de la opresión de los líderes de la compañía dueña de la mina, los cuales no se preocupan por el trabajador y los mineros anglos son mejor pagados, ellos buscan igualdad. La gran mayoría de los actores eran mineros reales que trabajaban en Nuevo Mexico, el mismo líder Juan Chacón que hace el papel de Ramón, era capataz de la mina. También toca el tema de la mujer como esposa del minero, en este caso Rosaura Revueltas (hermana de Silvestre, José y Fermín Revueltas) hace el papel de Esperanza Quintero, una mujer agobiada por la vida que lleva, es como la clasica pintura de la esposa mexicana, sumisa y abnegada, pero que en cierto punto del film da un giro drástico a su forma de vida, la película también toca el tema de la igualdad entre mujeres y hombres.
Cinematográficamente, es sencilla, narrada en primera persona por Esperanza, con algunos planos generales presentan el pueblo y una breve historia sobre él. Lo que me pareció un buen acierto y lo mejor en este aspecto de la película es la escena en que Ramón es detenido por el sheriff y lo llevan lejos de los huelguistas para poder darle una golpiza, en el mismo momento de que los oficiales golpean a Ramón, Esperanza está teniendo a su bebe, monta una transparencia sobre el negativo original con los dos personajes que sufren por diferentes causas, ella al iniciar la escena toma su decisión y pide que el niño nazca sano; me pareció lo mejor logrado de la película. Hay otras escenas memorables de la película, entre ellas cuando el sheriff detiene a todas las mujeres y las tiene en un separo a todas gritando que querían camas y comida que hacen que el pequeño establecimiento se conmocione y toque en los nervios al supuesto guardián de la ley, es una escena muy divertida.
“La Sal de la Tierra” tocó fibras sensibles, fue la única película vetada por su contenido “comunista”; Rosaura Revueltas fue arrestada y deportada a México, y nunca en su vida regresó a EU. En 1993 , el profesor de lingustica y critico político Noam Chomsky dio una plática en el MIT donde reverencia esta película, por el realismo reflejado en la gente haciendo su trabajo, cito parte de esta plática: “El verdadero trabajo está siendo realizado por gente que no es conocida, esto es siempre verdad en cualquier movimiento popular en la historia… Yo no sé como logras llevar eso por una película, hay algunas películas que lo han hecho. Me refiero a que yo no me fijo en los aspectos visuales, así que no so el mejor critico, pero creo que La Sal de la Tierra realmente lo hizo. Fue hace mucho tiempo, pero en su momento creo que fue una de las mejores grandes películas – y que por supuesto fue asesinada, creo que no se exhibió en casi ningún cine”. También José Saramago escribe sobre esta película en su blog; “...la sal de la tierra de Herbert Biberman, que vi en Paris a finales de los años 70 y que me conmovió hasta las lágrimas: la historia de la huelga de los mineros chicanos y de sus valientes mujeres me llegó hasta lo más profundo del espirito”.
Este mes cumplo un año corriendo, recuerdo que cuando empecé a correr no llegaba ni a la esquina y estaba bastante pasado de peso; mi jefe tiene el habito de correr y en hace ya un año me invitó; así comencé, de poco a poco superando barreras y ya he corrido 3 carreras de 21K (medio maratón) y voy por mi primer maratón. La razón de mi post es que a pesar que correr es un ejercicio muy balanceado, no solo se ejercitan las piernas, todo el cuerpo tiene algo de ejercicio. Audrey va a clases de Aikido en el mismo Dojo en el que yo practico Judo (Judo Club del Norte, para hacerle el comercial completo) y el maestro hace mucho énfasis al Makko Ho.
El Aikido se basa en una coordinación, agilidad y fluidez (también el Judo pero de varios años gracias a las participaciones en Juegos Olímpicos se ha hecho de más de fuerza), por lo que el cuerpo necesita estar bien alineado, ahí es donde entra el Makko Ho. Fue creado por Shizuto Masunaga, autor de varios libros de Shiatsu, y su principal objetivo es la re-alineación del cuerpo estirando los meridianos.
En la foto el Maestro JorgeTengo poco practicándolo y me he sentido muy bien, mi cuerpo siente la diferencia, de cuando uno está desgarbado y chueco al final de un día pesado frente a la computadora a practicar un poco de Makko Ho al principio del día.
En este Blog encontrarás los ejercicios básicos del Makko Ho, las fotos son del Dojo al que pertenezco.
MacGuffin asemeja un nombre Escocés, mas no es una persona, hay una anécdota que lo puede explicar mejor: "dos hombres viajan en tren, uno le dice al otro "¿Qué es ese paquete que ha colocado en el compartimiento de maletas?". Y el otro contesta: "Oh, eso es un MacGuffin". Entonces el primero vuelve a preguntar: "¿Qué es un MacGuffin?". Y el otro: "Pues es un aparato para atrapar a los leones en las montañas altas de Escocia". El primero exclama entonces: "¡Pero si no hay leones en las montañas altas de Escocia!". A lo que contesta el segundo: "En ese caso, no es un MacGuffin".
El MacGuffin, según Hitchcock, es una herramienta argumental (sobre todo del suspense) un hecho, objeto ó conocimiento que es irrelevante detallar, pero que es importante para los personajes, mas no así para el director. Es un truco, una complicidad y lo que se llama "gimmick" en ingles. Aquí puede haber alguna controversia sobre la inverosimilitud de la trama, ya que un buen MacGuffin es el no explicado (y en algunas veces el mas irrisorio), y muchos guionistas tienden a batallar detallando el MacGuffin descuidando la trama.
En "El hombre que sabia demasiado" del propio Hitchcock, el papel escondido en la brocha para la crema de afeitar (de la versión inglesa del 39, no he visto el "remake" Hollywoodense que realizó el mismo director) es un MacGuffin, realmente no importa lo que dice el papel pero es de suma importancia para el desarrollo de la trama, el MacGuffin es con lo que negocian los protagonistas para rescatar a su hija, su explicación del papel se da, pero es mas la necesidad de tenerlo que el papel en sí.
Un MacGuffin mas contemporáneo es el de "Pulp Fiction", precisamente el maletín que buscan Vincent y Jules, realmente su contenido no importa, pero nos muestra un brillo dorado al abrirlo, por lo que Tarantino no lo agrego, pero es por ese maletín que se da muchas situaciones en la película por tratar de recuperarlo.
Hitchcock utiliza un algo similar en la pelicula "Sospecha", para centrar nuestra atención a un vaso de leche envenenado que lleva Cary Grant; este coloca una luz dentro de la leche, así nuestra atención es a la leche y la escena que es bastante simple pasa a un termino mas critico al tener que sospechar de la leche y el personaje.
En el caso también de la saga de Indiana Jones (no he visto la ultima, pero aparece en las primeras tres), el arca de la alianza en la primera, las piedras sankara en la segunda y el santo grial en la tercera, son MacGuffins.
Existe una leyenda situada en Francia del siglo XIX, algunos la más exactamente en la fecha de la construcción de la estructura de la Torre Eiffel para la entrada de la Exposition Universelle, dotando de un dejo de misticismo mas encarnado en la historia y un motivo más para recordarla. En grandes rasgos esta es la susodicha leyenda:
Dos mujeres llegan a parís y se hospedan en un hotel de alcurnia, donde son bien recibidas e instaladas en una lujosa habitación; después de un par de días, la madre cae enferma gravemente. Mandan llamar a un doctor que la revisa y le comenta la hija: “tienes que ir por un medicamento especial para ella”, pero este medicamento lo venden al otro extremo de parís; la chica determinada debido a la enfermedad de su madre viaja en carruaje tirado por caballos por el medicamento y después de un viaje de cuatro horas regresa al hotel, al ver al administrador le pregunta: “¿Cómo esta mi madre?”, a lo que este le responde: “¿Qué madre? ¿Quién es usted? No la conozco”, la chica replica: “Mi madres esta en tal habitación”. Van a la habitación y al llegar encuentran que está ocupada, pero son otros inquilinos, dicen tener varios días en esa habitación, los muebles son otros, y están acomodados de manera diferente, hasta el papel tapiz es otro.
Esta leyenda ha servido de fórmula para hacer infinidad de películas, como “The Lady Vanishes” (1938) de Alfred Hitchcock y que él mismo le comenta a François Truffaut en una entrevista, que esta idea la recicló para un cortometraje para su serie de TV “Alfred Hitchcock Presents”, el episodio se llamó “Into Thin Air”. En “The LadyVanishes” unos viajeros viajan en tren en un país ficticio con la finalidad de regresar a Inglaterra, pero el tren es detenido por una avalancha; una mujer hace amistad con una anciana, que al hablar inglés es la única con la que puede comunicarse, después de un rato, ella se duerme y al despertar la anciana ha desaparecido y lo más extraño es que los demás pasajeros dicen nunca haber visto a la anciana, y un doctor en el tren dice que probablemente este alucinando.
He tenido la desgracia de ver y escuchar los nuevos spots del periódico Milenio, y por más que me pregunto no les encuentro sentido. En si son spots creados tanto para el radio como para la televisión, y creo que su gente encargada de publicidad son muy incompetentes (vaya, me quede corto y les salió barato).
En el mundo de los anuncios televisivos hay que tener ingenio para atrapar a la gente, pero estos tipos se devanaron sus cerebros tanto que ya cortocircuitados y medio quemados salieron un par de anuncios que como entre otros de radio de una cerveza azul me insultan (si, siento ofendida mi inteligencia).
En estos spots Milenio nos dice que son el futuro del periodismo, pero de una manera subjetiva nos muestran una suceso apócrifo futuro bastante tonto, como México campeón de la copa del mundo ó la primera Papisa (que, por cierto, ya hubo una que la iglesia no acepta, la Papisa Juana) Teresa I (¿por la madre?) que para ellos es el futuro del periodismo, que para mí es una nota (improbable) futura, por qué no mejor plantean que el futuro del periodismo es no ser tan amarillistas, no poner un micrófono cerca de una madre que llora porque le mataron a su hijo, en informar bien los esquilmos de la función pública y ahora con el nuevo paquete económico que nos van a quitar mas para que ellos no entren en crisis, pero eso es harina de otro costal (aunque propondría mejor poner a Agustín Carstens a dieta y creo que saldría lo del 2% de impuestos a consumos).
Pero los invito a que ingresen a la página de Milenio, y ver que notas son las primeras en aparecer; claro, la selección ganó, el secuestrador boliviano (que para mí es pantalla de humo), y claro que a Chuchita la bolsearon (pero otra Chuchita, Marichuy).
Bueno, en resumidas cuentas, no tengo nada en contra de Milenio, pero si creen que son el futuro del periodismo, no deberían exhibirse con esa clase de publicidad, de bastante mal gusto (no me sorprendería de algún regiomontano que haya crecido viendo Multimedios), tienen secciones interesantes (y otras bastante funestas).
Bueno, ya me desahogue, hasta el próximo post!
El día de ayer, en el 5to. Festival de Cine de Monterrey, fui al homenaje de Jim Jarmusch y la proyección de “Stranger Than Paradise” que no había visto (y que por cierto, me gustó bastante), Jarmusch no es santo de mi devoción, pero siempre es interesante escuchar sobre películas a voz de su autor. Llegamos un poco tarde (llegamos por qué fui con Audrey) y había poca gente, pero el teatro de las artes de Fundidora estaba medianamente lleno, pero sorprendentemente todavía no empezaba, pensé, los organizadores seguramente confiando en la impuntualidad del Mexicano (mea culpa). El teatro estaba iluminado completamente, y había unas molestas luces con forma de cabrito, mascota del festival, pero bueno, es el inició, no me molestó tanto. Después de una breve espera apareció el organizador principal del evento para informarnos que Jarmusch no iba a poder asistir debido a su apretada agenda, en su lugar proyectaron un video acerca de la obra del cineasta, después Luis Garza (del staff de la organización del evento) y un cineasta local (no recuerdo el nombre, me habrá de disculpar) al principio nos leyeron sobre la vida y obra del cineasta, esto no me gustó, creo que me hubiera gustado que nos hablaran de sus puntos de vista del cine de Jarmusch, que finalmente era a lo que iba, a ver una mirada personal sobre el cine de autor, pero leer una remembranza después de una remembranza en video me pareció innecesario, aparte que la luz estuvo molestando todo el evento, acabe bastante molesto; al final si dieron su punto de vista que estuvo muy tibio, y acabamos por ver Stranger Than Paradise, que al final realmente lamente que Jarmusch no hubiera asistido, la película es muy buena.
Finalizando, no puedo criticar al festival, porque realmente no he tenido tiempo de asistir a ningún otro evento, pero en este evento creo que hubieran hecho algo mejor, falto mas creatividad al confirmar la ausencia del cineasta y lo único que pudo salvarlos de la zozobra fue “Stranger Than Paradise”.
En el transcurso de mi reclusión bloguera pude darme un respiro y leer un comic que me había llamado la atención, pero primero quisiera escribir un poco sobre su autor.
Hermann Huppen mejor conocido solo como Hermann es un autor belga de comics, mayormente escritos en francés; desde 1964 ha escrito y dibujado comics y es un pilar en el comic realista y social, pero no por eso ha dejado algo de la mística del tebeo, escribió para la revista Spirou una serie basada en el clásico de Windsor McCay "Little Nemo in Slumberland" llamado "Hey, Nick! Are you dreaming", además de la serie post-apocalíptica "Jeremiah", un western a la "Blueberry" llamado "Comanche". También en su haber esta la serie "Les Tours de Bois-Maury" con menos acción, más enfocada a la psicología de los personajes y situaciones. Hermann es un escritor prolífico de comics, en este 2009 se publicó su más reciente trabajo, la segunda parte de la serie "Le diable des sept mers". En su página oficial hay avances y fragmentos de sus obras, haz click aquí para accesar a su pagina oficial.
Sarajevo Tango, el comic.
Es como su autor lo dice, "un caso que va mas allá del reino de la ficción. Sarajevo existe, aquí y ahora". La historia narra el viaje de Zvonko Duprez un mercenario, ex-legionario, conocedor de Sarajevo y su situación, es contratado por una mujer, su misión es de rescate, llegar a Sarajevo, localizar y rescatar a la hija de la mujer y regresar a su villa en Austria, un trabajo relativamente fácil, pero es Sarajevo en conflicto (1993, si mal no recuerdo), las fuerzas de la UNPROFOR con sus cascos azules (ridiculizados en el tebeo), son simples espectadores de la guerra por odio y racismo, la ONU desde Nueva York envía ridículos dedos acusatorios al gobierno Serbio, pero no pasa de eso, el escenario es complicado, pero la remuneración es abundante. La razón por la que la niña esta en Sarajevo es por su padre, ex-esposo de la madre, que regresa a Sararajevo por proyectos inconclusos, secuestra a su hija y la lleva con él. Y para complicar el panorama, el nuevo esposo de la madre contrata a un asesino para que llegue a Sarajevo y despache a Zvonko, para que no cumpla su cometido, con eso el dinero de la madre no llegaría a manos directas de su hija.
La historia es muy realista pero también ridiculiza con algunos absurdos a la pseudo justicia occidental que acusa públicamente a los serbios de los ataques y bombardeos, pero que hace tratos con ellos por otro lado y para confusión de la gente hace declaraciones aprobatorias sobre los hombres del gobierno hostil. Es ficción, ciertamente, pero es algo que Hermann vivió desde fuera cuando su editor y amigo Ervin Rustemagić era parte de las víctimas inocentes del cerco de Sarajevo, Sarajevo Tango está dedicada a el y a todas esas víctimas y sobrevivientes de Sarajevo 1992-1995, Los derechos del comic los cedió a Ervin Rustemagić y Strip Art Features, sin el cual su historia nunca hubiera visto la luz.
Últimamente he visto mucho películas de Emir Kusturica, y me encanta su música; he notado que algo de la los grupos balcánicos se parece a algunos de México, me gusta la comparación y así como tenemos inmigrantes en EU, los balcánicos se van de "mojados" a Italia, donde como en nuestro vecino país se les trata con la punta del zapato.
Pero bueno, mas que nada este post es para compartir una canción que me parece hermosa que escuche por primera vez en "A time of gypsies" de Emir Kusturica, la historia es muy interesante, y narra la vida de los gitanos, enfocados en el joven Perhan (que aparece al principio de este vídeo abrazando a su pavo) que vive en una aldea y quiere a una muchacha local, pero tiene que cambiar su vida y viajar con su tio un gitano que radica en Milan, que se dedica a asuntos poco honrosos, para operar a su hermana y tener dinero para desposar a su novia, lo cual no quiere la madre de esta por que Perhan no tiene oficio ni dinero.
La cancion se llama Ederlezi, que es el festival gitano de primavera, y la cancion es tradicional, pero aqui fue arreglada por Goran Bregovic para este pelicula, la cual recomiendo.
Tenía mucho tiempo sin estudiar concienzudamente, esa clase de estudio que enfoca todos tus sentidos en el, recuerdo mis días de universidad, desvelos por hacer trabajos, resúmenes y ensayos ó descifrando un libro para después explicarlo. Estos días me he sentido un poco de esa manera, estudiando para un examen de admisión, que puede cambiar el curso de mi vida; recuerdo que mi primer y único sueño lúcido fue después de una jornada ardua de estudio, no sabría explicar bien el fenómeno, pero supongo que es por estar mas receptivo. La noche es solitaria cuando uno estudia, pero precisamente es el ambiente idóneo para ello, lejos de distracciones y ruidos. Me toco quedarme en mi oficina con la confianza de avanzar mas que en mi casa, donde hay muchas distracciones y no aprovecho el tiempo igual, aun así no fue solo silencio, pude escuchar los ruidos de mi oficina que en el día son imperceptibles, como si esta estuviera viva y quisiera comunicarse sin palabras; ayer lo viví, ya antes me había quedado hasta altas horas de la noche, pero siempre por ajustados tiempos de entrega y nunca había estado receptivo como ayer. Escuche sillas reclinarse lentamente, libros caer de las estanterías, vidrio estremecerse, viento pasar por los conductos de ventilación, puertas esforzándose por moverse, el ambiente es excelente para ubicar un cuento de horror. Saliendo al estacionamiento experimenté con los apagadores, oscuro como boca de lobo, de camino al carro, solo el sonido de mis pisadas, volteo alrededor y solo un perro callejero por la esquina, al final de la calle mas oscuridad, sin siquiera luz mercurial; es tétrico, la oscuridad había reclamado su reino al día, tal oscuridad es intimidante, pero a la vez intrigante, intenté curiosear por la calle, pero no me atreví a dar muchos pasos hacia lo intangible. A mi mente llegaron las historias y leyendas que corrían por voces de los obreros, que son los que generalmente se quedan, por ejemplo, la supuesta bruja, se dice que también se aparece por aquí, cosa de lo mas ridícula, ya que seguramente era un zopilote muy grande que le pusieron traje de bruja, solo hay que verlos caminar. Me imagino que vivir en un ambiente como este te puede llevar a la locura, la mente pudiera jugarte una mala pasada y pasar la vida marcado por un suceso cualquiera magnificado por la incertidumbre. No me dejo llevar, subo a mi carro y lo enciendo, un contacto con la realidad, me trae de regreso de mis divagaciones y conduzco hasta la ciudad donde no puedo perderme en la oscuridad. Ya tendré otra oportunidad.
(Imagen: Colección de grabados de “El Cuervo de Edgar Allan Poe” por Gustave Doré)
Me invitaron este sábado pasado a una obra de teatro llamada “El despertar de la primavera”, al no ser recurrente al teatro acepté la invitación sin pensarlo, añoraba viejos tiempos en que disfruté obras como “Las noches de Oscar Wilde” con Guillermo Murray (la vi hace como 12 ó 13 años y no la olvido), hay algo del teatro que me gusta, y vaya que a veces me llegan a molestar los actores de teatro en cine, o mejor dicho, actores que actúan como en el teatro en alguna película; se que el teatro es un arte de interpretación de gestos y mímica, que hay que estar al pendiente del lenguaje corporal de los actores, en mis pocas dotes como critico teatral me anime a escribir algo en mi blog.
La puesta en escena fue en la gran sala del teatro de la ciudad de Monterrey, al llegar compre los boletos los cuales para ser una obra de estudiantes no era barata ($80 y $40 estudiantes), y entramos, para lo cual un tipo se nos acerco y tiró un condón, que recogió y dijo entregándomelo –no lo tires amigo, mejor úsalo-. Me tomo por sorpresa, debo admitir, y lo primero que me vino a la mente, que con el titulo de la obra seguro era algo de conciencia social sobre la planificación familiar, por lo que tomo el programa y leí la reseña para saber me aguardaba, y esto fue lo que leí:
“El Despertar de la primavera” es la adaptación teatral de la obra escrita por Frank Wedekind en 1891 que narra la tragedia adolescente de aquéllos que se enfrentan a las costumbres burguesas de entonces y de ahora. El Despertar de la Primavera es un trabajo teatral que, situada en Alemania en el siglo XlX, aborda frontalmente la frustración de los adolescentes ante la represión brutal sobre los temas de: sexualidad, religión, educación, vergüenza, género, pero sobre todo el del abuso de poder de la autoridad patriarcal. Hoy, en pleno siglo XXl la obra es más controversial que nunca satirizando un número de ideas, para proponer un fuerte mensaje político, que anuncian un necesario rompimiento epistemológico aquí en Monterrey, Nuevo León, México.”
Al comenzar la obra aparece un cuerpo con la cabeza en brazos efecto que dieron a una persona con una mascara blanca que cubría completamente su cabeza y una cabeza de unicel en brazos; la cabeza hablaba, gracias a un proyector que disparaba su haz de luz hacia la cabeza de unicel y un video se reproducía. La escenografía era sumamente sencilla, propia de un grupo de estudiantes; eran básicamente paredes blancas levantadas alrededor del escenario que ayudaban por las reproducciones utilizadas con el proyector. Después del seudo monologo-grabación del cuerpo comenzó la obra, los actores sentados con separación en la primera fila se levantaron y se subieron a sus respectivos asientos, dando la espalda a la audiencia, se quitaron la ropa teniendo ropa interior blanca y entraron al escenario, haciendo lo que me parecía ejercicios teatrales, bueno, a lo mejor representaba algo, puedo poner muchos pensamientos en mi mente, en una parte que corren alrededor así vestidos de blanco, me suenan a espermatozoides en la carrera de la vida, pero vaya que puse mucho de mi parte, y debo tener cuidado con las interpretaciones.
El comienzo de la obra es poco practico, las mujeres del reparto entran en escena llevando sillas y colocándolas en diagonal hacia la esquina posterior derecha, se suben en las sillas y una de ellas se pone un vestido, las demás quedan como llegaron pero hacían los mismos movimientos que la actriz con el vestido; entra en escena una actriz personificando a una mujer mayor con cuerdas delgadas en sus brazos y piernas y otro actor personificando a un titiritero moviéndola y hablando por ella. En el caso de los actores hombres fue lo mismo pero todos se vistieron muy a la usanza decimonónica, practicando con un profesor tiránico una clase de latín.
Todos los escenarios (aunque mentales por la falta de escenografía), vestuarios, comportamientos y situaciones te transportaban al siglo XIX, pero la música a algún genio se le ocurrió poner acordes estridentes de metal vaya, heavy metal, sacándote involuntariamente de la situación y el ambiente creado por la actuación. Para mi fue un gran error, y no por que no sea abierto a que una obra llegue a tener esa clase de música, sino simplemente no iba acorde a la obra, fue una mala elección. También utilizaron algunas acrobacias que carecían de fundamentos en la historia, pero que supongo, tenían alguna alegoría que a mi gusto no cuajó.
Me pareció que en algunas escenas que utilizaron proyector no había necesidad de tal cosa, bueno, me pareció que bien se hubiera utilizado un actor en el fondo (era la proyección generalmente de la madre del protagonista con algunas conversaciones) en lugar de estar presenciando escenas con pobre calidad de audio y a cada rato un signo de play, y hasta en una ocasión se quedo el protector de Sony, que me pareció un elemento que distrajo mas que ayudar a la narrativa.
Hubo un par de escenas fuertes, una masturbación masculina y una escena de sexo, obviamente falsas, una escena de amor gay, que debo decir que fue la mejor realizada y cuando pude meterme un poco en la obra, en general las actuaciones fueron buenas, sin nada fuera de serie. Al final también hubo un desnudo masculino, con el cual no tengo ningún problema, si hay un buen fin, pero este fue completamente gratuito, no tenía caso, no era ningún personaje, no tenia razón de ser, es mas cuando estaba el tipo desnudo caminaba hacia la audiencia y uno de los personajes entablaba una conversación con un ente extraño, que era parte fundamental y desviaron la atención del publico con el tipo desnudo que no tenia vela en el entierro; lo mas fuerte fue que este hombre llego a la audiencia, se bajo al pasillo, y siguió su camino derecho pasando por arriba de la gente, yo tuve suerte estuve a un lado de lo contrario me hubiera pasado por encima, que no me malinterpreten, no soy ni gay ni homo fóbico ni nada, pero no creo que tener un tipo desnudo encima sea una grata experiencia.
Al día siguiente apareció una parca reseña en el periódico, que solo decía cosas que vienen con el formato, una original obra, la brillante puesta en escena, la calidad histriónica, entre otros halagos que seguro escribió un reportero que no se le ocurrió nada mas, y lo que me llamó la atención fue que menciona que hubo interacción con el publico, y la única parte de interacción que recuerdo es cuando uno de los actores pregunta ¿Quién invento la pólvora? A menos que se refiera al hombre éste que se adentro en el publico y ya no quise voltear a ver si había alguna otra clase de interacción.
Fue bueno reencontrarme con el teatro, no fue una mala obra tomando en cuenta que son estudiantes, pero espero ponerme al pendiente de la cartelera teatral de la ciudad, en esto si envidio a la Ciudad de México que tiene una gama mas amplia de obras, aquí no salimos de las comedias de la Nena Delgado y obras mediocres como la pastorela de Sampayo (un tipo que da el reporte en helicóptero) que lamentablemente dura casi todo el año.
Para el reportaje de la obra visítese:
http://noticias.uanl.mx/interes/descripcion.php?id_not=44&lang=es
Había un par de razones por las que no quería escribir de Slumdog Millionaire, entre ellas que es la ganadora del Oscar a mejor película y Danny Boyle a mejor director; mas sin embargo es mucha mi admiración por el trabajo de Boyle, que no me importa parecer un oportunista.
Mas que la película en sí, creo que el Oscar se lo llevó por su carrera como cineasta y su contribución al cine independiente que cada vez mas Hollywood voltea a ver el trabajo de estos cineastas, para que en un futuro próximo vuelvan a ser olvidados por la academia. No obstante, hay que celebrar que por el momento se esta premiando a gente que con su trabajo demuestra calidad en todos los aspectos del proyecto, en este caso Slumdog Millionarie, el cual es un proyecto sencillo, pero muy bien manejado, tanto la fotografía, en la cual Boyle se ha acostumbrado a usar formato digital el cual tal vez no es tan artístico, mas que por el simple snobismo de decir que se usa stock, por el hecho de no ser un trabajo tan artesanal en su edición. Hay un reportaje de una revista de cine que lo entrevistan y el comenta que no está usando una cámara en si, es un lente conectado a una laptop que lleva el camarógrafo en un lo backpack en la espalda, y lo complicado de perseguir niños en la India de esta manera.
Pasando a la película, el concepto es sencillo (no se necesita un proyecto muy pretencioso para hacer una película trascendente), Jamal Malik, un joven indio de los barrios bajos, que participa en la versión de su país de “who wants to be a millionaire”, en el cual ha contestado casi todas las preguntas; ¿como un “perro” de los barrios bajos ha contestado tantas preguntas? La respuesta para los productores es una de dos, le están ayudando del publico ó esta haciendo trampa, por lo que terminando la primer ronda lo envían a interrogar por medio de tortura para que confiese que esta haciendo. Esto es la excusa para mostrar la historia de la vida de Jamal, cada pregunta esta ligada con un capitulo en su vida; ve con el detective que lo interroga un video del programa y cada que contesta una pregunta le cuenta como la supo transportándonos a la situación.
El juego es la excusa para narrar, no es lo importante, ni el hecho de ser millonario para el protagonista; él esta ahí para encontrar a alguien, y como es un programa que se ve en todo Mumbai, espera que Latika, su amiga de la infancia lo pueda ver.
Hay criticas muy encontradas respecto a esta película, y creo que ambas con mucha validez, por el lado negativo, el lenguaje media película está en hindi y la otra en inglés, se que el ingles culturalmente es común en la India pero, la transición de los hermanos de niños de barrios bajos a jóvenes claramente de clase media anglófonos, causo que algunos críticos no la toleraran, en caso de lo positivo, se dice que tampoco la película en ningún momento trató de ser un documental. Hay muchos comentario y algunos se pueden ver en el articulo en inglés de la wikipedia sobre Slumdog Millionaire, también lo que comenta Salman Rushdie es interesante; “No soy adverso al realismo mágico pero se necesita un nivel de plausibilidad, pero siento que hubo tres o cuatro ocasiones en que se rompió esa regla”, estoy de acuerdo con eso, pero así como él, pienso que es visualmente brillante.
La película la disfrute mucho, si es algo que recomiendo, como también el trabajo anterior de Boyle, que considero que sigue una formula muy a la Kubrik, no esta casado con un proyecto, una vez concluido, pasa a lo siguiente sin quedar ligado con la idea anterior, lo cual tampoco es malo, es el pilar en los proyectos de los hermanos Coen, pero también a veces pueden encasillar a una persona, como con Tim Burton. Y ha experimentado con temas tan diversos como el horror y la ciencia ficción, sin necesitar hacer segundas partes forzadas (Exterminio 2 solo la produce, es el proyecto de un español).
En el caso del guión, toma una idea de Simon Beaufoy (que escribió el Full Monty), fuera de su sociedad con Alex Garland, con el cual ha trabajado en la mayoría de sus películas; en la entrevista que leí habla un poco de cómo le llegó la idea y como de entrada la rechazó, pero la impresión fue hacer una película del programa ¿quien quiere ser millonario en la India?… por lo que no se le puede culpar por rechazarlo, pero por respeto a Beaufoy, le dio un vistazo al guión que bastó para decidirse a filmar.
Me gusto esa entrevista, viene en una de las revistas de cine creo que de el mes pasado, después pasó el dato correcto, pero también hable de cómo es filmar en la India, que si se va en un plan de imponer, se tendría muchos problemas, en este caso el mas bien se dejo llevar por el fluir de la gente y las costumbres, como ese final muy tradicional de Bollywood.
Ayer me cayó la sorpresa que unos amigos les dio por ir a ver The Spirit, dirigida por Frank Miller, y me invitaron, hace varios meses que sabia de la existencia de esta película y busque los comics clásicos de su autor Will Eisner y los lei, me parecieron a primera leida algo burdos, pero tuve que considerar que este hombre fue percusor del lenguaje de los comics, y los autores contemporaneos (como Frank Miller) le deben mucho. No entrando mucho en mi visita al cine, me dispongo a escribir mi parecer con El Espiritu.
Siendo completamente honestos, no tenia muchas ganas de verla, por el cgi, por la critica general, entre otros factores, pero para mi sorpresa, fue una cinta que disfrute mucho, aunque estoy seguro que hay gente que le va a fastidiar, porque esta irreverente y absurda, la ciencia que se crea en el comic; el casting me agrado, los enemigos (Octopus personificado por Samuel L. Jackson y Silken Floss por Scarlett Johansson, otra razón para verla) son geniales, asi como los clones (que al principio los primeros tres se llaman como los tres argumentos de la retórica de Aristóteles, ethos, pathos y logos), creo que se llevan la película, Eva Mendes es muy gris y no muy buena actriz, pero aun así hace lo que tiene que hacer, enseñar; otra que hizo lo mismo pero que hasta eso me parece que hizo mejor papel fue Paz Vega. Si se conoce el comic hay que dejarlo de lado un poco, es una adaptación y tiene mucho el estilo de Miller, la historia no es fiel, pero tiene toda la escencia y la vibra de Eisner; la editorial Norma publico la entrevista que tuvieron Eisner y Miller hace varios años, por si a alguien le interesa.
La historia parte a sabiendas que el espíritu esta en las calles, y combate el crimen, pero no sabemos quien o que es a ciencia cierta, a diferencia del comic, este se embebe en la ciudad, y apoya a la fuerza policíaca a combatir el crimen, una premisa predecible, pero hay que darle un poco de crédito; este aparece en el momento de que una ladrona (Sand Saref, ó Eva Mendes), busca escapar de Octopus, y hay algunas introducciones de personajes, ahí el espíritu sabe por un dije que le arrancaron a la ladrona que la conoce, y empieza su investigación para saber que era por lo que peleaban.
De aquí hay muchas pequeñas historias, lo “ojo alegre” que resulta el protagonista, los planes maquiavélicos de los villanos, que son hilarantes, por cierto y la historia detrás de el origen del héroe.
La escena cuando atrapan al espíritu valió el boleto (eso y Scarlett vestida de nazi, y que quede claro que no tengo ningún fetiche con eso), aunque fuera de miércoles; el cgi no termino de convencerme, pero tampoco me pareció muy influyente, digamos que la considero un buen comic/película.
Hay algunos detalles que me llamaron la atención, entre ellos que en el comic, el taxista que lleva al espíritu a todos lados es un negrito muy parecido a Memin, que se llama Ebony Black, que por cierto tienen una aventura en un edificio tomado por santeros cubanos, me puedo imaginar si acusaron de racista a Memin; el jefe Dolan esta bien, aunque mas parecía un reportero que policía.
Otra de las cosas que no me gustaron fue la falta de limites, no hay lugares cerrados, y digamos que abusaron del uso de la pantalla verde, pero hay pros como el ambiente estilo film noir, en blanco y negro y algo vivo de color sobresaliendo, generalmente la corbata de el espíritu. En el caso de las actuaciones, son muy naturales, si, no es nada sobresaliente, y de hecho están algo acartonadas, pero es la finalidad de la película, ser un comic con personajes de carne y hueso, por eso creo yo que pudiera molestar a cierta parte de la audiencia, en el propio cine me toco gente que no iba ni media película cuando se salieron. En lo que a mi concierne, yo me divertí y si pienso comprarla, por el simple hecho que fue mas de lo que esperaba por las criticas del periódico y de Internet.
Y aparte disfrute de las curvilíneas figuras de las damas del comic, en especial Scarlett, que no enseña pero es una belleza con clase, no necesita, y con esa mirada, como no ponerse de rodillas, bueno. al fin de al cabo soy hombre.
Ya se acerca los días de oscares y regularmente hay buenas películas en cartelera, este fin de semana pasado me toco ir a ver “Solo un sueño” (Revolutionary Road) de Sam Mendes, basada en una novela de Richard Yates; y no me arrepentí, me gusto a pesar de que es un poco lenta, y en cierto punto un pretenciosa, me parece que el director quiso hacer brillar a su esposa, y la verdad no es de lo mejor que le he visto a Kate Winslet; también me parece que quiso reunir a todos los del Titanic, cinta que no he visto porque simplemente no me llama, ahora estamos hablando de un pupilo de Spielberg (Mendes comenzó con el padrinazgo de este) y un reparto ya reconocido, y apostando a una trama intensa y con mucho dramatismo, me llega la conclusión que lo que es esta película es un busca-oscar, por llamarla de cierta manera, esta enfocada en ganar premios.
Entrando un poco al tema de la película, esta narra con cierta formula (esta película parece que ha sido realizada por alquimista) de Mendes, suburbios, relaciones y conflictos laborales y conyugales, la vida de una pareja; desde como se conocen y se atraen como se atraen muchas parejas, unos hablando de mas consiguiendo impresionar, y dando un salto directo a la vida después del matrimonio y como la rutina hace insoportable el convivir, algo que casi toda pareja debe vivir. El preludio se muestra antes del titulo de la película, todo esto explicando a “grosso modo” el camino de la trama; ahora, comienza la historia con la pareja comprando casa en los suburbios, y el siguiendo el trabajo en la compañía donde trabajo su padre, siguiendo un camino mas rutinario, que llega al punto donde ella propone salir de la rutina, irse a vivir lejos y cambiar su estilo de vida, que cada vez los hace querer romperla con infidelidades. Con los ahorros que tienen, mentalizan a sus dos hijos para irse a Paris, donde comenzaran una nueva vida y cada quien se dedicara a otras cosas; sin embargo, ella queda embarazada por tercera vez y a el le ofrecen un mejor puesto en su oficina, que hace que empiecen rencillas nuevamente en la pareja y como su viaje se convierte en un sueño infantil. De lo mas rescatable, el matemático que los visita, hijo del personaje de Kathy Bates, que aparte que tiene muy buena actuación, es el personaje mas coherente de la película, a pesar de estar internado en un centro psiquiátrico y recibir terapia de electrochoques.
Este viernes se estrena Slumdog Millionaire que es la que estoy que se me cuecen las habas, de uno de mis directores favoritos, Danny Boyle, llegando el día escribiré sobre ella.
Saludos!
No he podido concentrarme en escribir, han estado pasando muchas cosas en mi cabeza, ahora tengo muchas decisiones que tomar en poco tiempo y todavía no me veo ni siquiera en el próximo año.
Mis dudas son mas que nada respecto a mi carrera, mis discrepancias a las creencias de la industria contra mi gusto por la materia; rara vez escribo sobre mi persona en este Blog, pero creo que vale la pena hacerlo. No tengo interés por la política, mas no puedo quedarme al margen de comentarios, no creo catalogarme de “rojo”, aunque concuerdo con algunas ideas comunistas e incluso anarquistas, aunque podría caer en hipocresía al trabajar en una empresa de industriales locales, capitalistas y conservadores; seria indiferente a ello de no ser parte del proceso productivo, mas no es así. Me motiva, entre otros aspectos la estabilidad económica, mas últimamente he visto como el racismo, el sexismo y el malinchismo (ah, pero estos “mexicanos”, se jactan de chovinistas con los extranjeros) han influido negativamente. Estoy en un punto desangelado y he perdido mucha fe en lo que hago, por eso de mi depresión laboral.
Ahora a pesar de que me atraigan algunas ideas políticas de izquierda, no creo en ellas, ya que en todos aspectos, el poder crea corrupción. No me queda más que ver la vida con buen humor, envidio a Chesterton y a Pratchett, y ahora los entiendo un poco más.
Ahora no me veo vestido a la emo-punk, afuera de un McDonalds abogando por el anarquismo con una pancarta con una gran A encerrada en un circulo, o metido en la política de un sindicato aumentando la barriga, mientras se llenan los bolsillos por si solos. Me considero lo suficientemente en mis cabales para no ser un extremista lanza bombas en busca de paz, o un izquierdista aburguesado vendido al mejor postor.
Estamos habituados al sistema por eso nos resulta muy natural este comportamiento absurdo. En el libro “el banquero anarquista” Fernando Pessoa en voz de su personaje explica esto de la siguiente manera:
"Natural es lo que pertenece al instinto; y lo que se parece en todo al instinto sin pertenecer a él, es el hábito. Fumar no es natural, no es una necesidad del instinto; pero una vez habituados, fumar pasa a ser natural, pasa a ser una necesidad del instinto."
Espero poder escribir algo diferente, pero tenia que sacar lo que siento, pero para el proximo post cambio de tema.
Saludos.
